Transformer la douleur en positif et utiliser l'art comme thérapie

Il savait qu'il voulait s'engager sur la voie d'une "vie audacieuse et passionnante" parmi d'autres "personnes créatives" tout en "faisant des choses incroyables et en vivant".

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LOS ANGELES – Comme beaucoup de personnes nées avec un penchant pour l'expression créative, Carl Hopgood a su dès son plus jeune âge qu'il voulait être un artiste.

Ayant grandi dans une petite ferme de la campagne galloise, Hopgood, né à Cardiff, a passé son enfance entouré d'animaux et de la nature, laissant libre cours à son imagination et créant des mondes qu'il envisageait avec des paniers, des boîtes de fruits, des fleurs, des pierres, des coupures de tabloïd et d'autres objets. qui a frappé sa fantaisie. Puis, à 7 heures, il est invité à passer un après-midi avec son meilleur ami, dont le cousin est de passage ; ce cousin se trouvait être Richard Burton, et il se trouvait être accompagné de sa femme encore plus célèbre, Elizabeth Taylor.

Hopgood n'était pas seulement ébloui, il était inspiré.

"Mon monde n'a plus jamais été le même après ce jour-là", a-t-il déclaré à The Blade. "Ils racontaient des histoires sur Hollywood, Londres, des soirées glamour, des films, de la photographie… et Andy Warhol ! Andy Warhol était mon premier coup de cœur pour un artiste. Il est également né dans une ferme, j'ai donc ressenti une connexion immédiate."

Après cette expérience, il savait qu'il voulait s'engager sur la voie d'une "vie audacieuse et passionnante" parmi d'autres "personnes créatives" tout en "faisant des choses incroyables et en vivant". Quatre décennies et une greffe continentale plus tard, on peut dire sans risque que Hopgood a atteint son objectif.

Un artiste établi avec succès basé à Los Angeles, il a créé un ensemble d'œuvres uniques qui comprend des pièces en néon, sculpture, installation film / vidéo et peinture sur toile; ses collectionneurs incluent Morgan Freeman, Eugiono Lopez, The Vinik Family Foundation, The Groucho Club et Rupert Everett ; et des expositions récentes de son travail - comme ses installations d'art au néon "Looking For Love In All The Wrong Places", "My Heart Is Open" et "You Changed My Life" à la Maddox Gallery de West Hollywood, et "Chair Therapy" à l'UTA Artspace LA de United Talent Agency - ont suscité une vague d'enthousiasme et une attention nationale croissante.

Cette dernière installation a créé un émoi particulier avec l'inclusion d'une sculpture néon controversée appelée "Just Say Gay", la réponse de Hopgood à la législation draconienne anti-LGBTQ défendue par le gouverneur de Floride Ron DeSantis ; cette œuvre a été acquise par l'éminente collectionneuse Beth Rudin DeWoody et sera exposée à partir de décembre 2023 dans son Bunker Art Space à West Palm Beach, en Floride.

Lorsqu'il parle avec The Blade, Hopgood tient à concentrer la discussion sur un nouvel objectif - l'achèvement d'un documentaire sur la création de "Chair Therapy" - mais il est certainement prêt à entamer la conversation en parlant du sentiment de défi queer derrière " Just Say Gay" et beaucoup de ses autres œuvres, car les deux sujets vont de pair.

"Étant un homme gay d'origine galloise et grecque", proclame-t-il fièrement, "la lutte contre l'intimidation, la répression, l'injustice et la discrimination sont devenues des thèmes centraux de mon expression artistique."

Comme il l'explique, ce combat est enraciné dans une expérience d'enfance traumatisante. "J'ai été victime d'intimidation par des camarades de classe", se souvient-il. "Ils me poursuivaient, me poussaient au sol et me donnaient des coups de pied dans l'aine. J'ai réussi à m'échapper et j'ai trouvé refuge sous une pile de chaises dans la salle de réunion de l'école. Le thérapeute de l'école m'a aidé à faire face en utilisant une technique appelée chaise vide. Thérapie, où vous parleriez à une chaise vide de vos sentiments.

"J'ai décidé de transformer cette douleur en quelque chose de positif et d'utiliser l'art comme thérapie." Bien plus tard, le jeune Hopgood s'inspirera de l'esthétique conflictuelle de Damien Hirst - après avoir lu une critique cinglante d'une de ses œuvres dans le journal - et suivra sur les traces de l'artiste controversé au Goldsmiths College de Londres, pour finalement faire partie d'un mouvement avec d'autres diplômés comme Steve McQueen, Jason Martin, Ceal Floyer, Angela De La Cruz et Alessandro Raho.

"C'était un moment incroyable d'être un jeune artiste dans les années 1990 à Londres."

Néanmoins, après 20 ans sur la scène artistique londonienne, il a décidé qu'il était temps de changer.

"Je venais de regarder un documentaire mettant en scène David Hockney", explique-t-il. "La liberté et la possibilité du travail de David ont été clairement inspirées par la Californie du Sud avec sa belle palette et son ciel ouvert et ensoleillé. C'était un contraste frappant avec le temps maussade du Royaume-Uni, et l'anxiété et la dépression qui se sont accumulées au fil des ans. J'avais entendu parler de la scène artistique grandissante de LA - LACMA, MOCA et The Broad commençaient à attirer un public international - et j'ai décidé que déménager à Los Angeles serait bon pour ma santé mentale et ma créativité."

Le choix était fortuit pour lui - "C'était le moment idéal pour y aller", dit-il, "et j'étais prêt à travailler dans de nouveaux médiums et à élargir mon répertoire." Puis, comme nous tous, il a dû mettre indéfiniment tous ses plans en l'air.

"Au début de 2020, lorsque la pandémie a frappé", nous dit-il, "je voyais tous les bars et restaurants fermés à West Hollywood. C'était comme une ville fantôme. En regardant à travers les vitrines des magasins, tout ce que je pouvais voir, c'étaient des chaises empilées les uns sur les autres - et cette image m'a ramené directement à mon enfance malheureuse."

Il a décidé de s'en inspirer et a commencé à travailler sur la première sculpture de la série "Chair Therapy" ("My Heart is Open") - qui, comme il le décrit, aborde "la masculinité toxique, l'oppression et l'identité queer, des thèmes que j'ai toujours défendue."

Ces thèmes sont sans doute aussi au moins en partie à l'origine de son désir de voir le documentaire prévu - intitulé "Fragile World" - se concrétiser. Filmé pendant la pandémie, il dresse le portrait de Hopgood en retraçant son parcours artistique personnel, mais se concentre sur le développement de "Chair Therapy", dans laquelle il a combiné des chaises en bois trouvées et vintage avec des néons façonnés en mots positifs pour apporter espoir, amour et soutien à une communauté qui a été la plus durement touchée par Covid et les fermetures qu'il a nécessitées.

"En voyant ces chaises et ces tables empilées, dans ces établissements vides, je savais que certains seraient obligés de fermer pour de bon. Je me sentais tellement impuissant, mais je savais que je pouvais faire quelque chose."

Maintenant, avec sa propre communauté durement touchée - aux côtés de beaucoup d'autres - confrontée à une oppression législative agressive de la part de la droite extrémiste, il est déterminé à voir le film terminé, afin que le même message d'optimisme stimulant incarné dans son travail puisse être diffusé à un public plus large. comme un rappel de ne pas laisser les intimidateurs briser leur esprit. À cette fin, la réalisatrice et productrice du documentaire, la cinéaste britannique basée à Los Angeles, Kate Rees Davies, a mis en place une campagne Indiegogo pour lever les fonds nécessaires pour terminer le projet.

Une autre motivation, peut-être encore plus personnelle, pourrait être trouvée dans la révélation par Hopgood d'une influence cachée dans une autre œuvre de la série "Empty Chairs" : "Twelve Steps", qui explore le succès financier massif d'une industrie californienne des agrumes rendue possible par le dur travail d'une main-d'œuvre immigrée mexicaine isolée. "J'ai également été inspiré dans cette pièce par une ligne du poète grec Dinos Christianopoulos", dit-il, "qui a été mis à l'écart par la communauté littéraire grecque dans les années 1970 parce qu'il était gay. C'est un couplet petit mais puissant qui a été inclus dans la collection 'Le corps et l'absinthe' qui se lit, 'Qu'est-ce que tu n'as pas fait pour m'enterrer, mais tu as oublié que j'étais une graine.'"

Pour Hopgood, peut-être, le documentaire représente aussi une graine, une graine qu'il a lui-même plantée dans l'espoir de répandre son pouvoir positif dans le monde - et il compte sur le soutien de ses mécènes via Indiegogo pour l'eau, la lumière et la nourriture dont il a besoin pour grandir.

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Martin Duberman, 93 ans, historien queer renommé, dramaturge, auteur et militant LGBTQ, a commencé à écrire des histoires à l'âge de quatre ans. "Ils existent toujours", a déclaré Duberman, professeur émérite d'histoire à la City University of New York (CUNY), à The Blade lors d'un entretien téléphonique. "Ils sont avec mes papiers à la bibliothèque publique de New York."

Duberman ne comprend pas ce qui l'a poussé à créer. "J'écrirais ces contes moralisateurs", a-t-il dit, "des couvertures intérieures cousues à la main. Sur la façon dont Alice a appris à faire ce que sa mère lui a dit de faire."

Duberman, qui a écrit une vingtaine de livres ainsi que des pièces de théâtre, n'a pas cessé d'écrire.

Nommez presque n'importe quoi ou n'importe qui et il a écrit à ce sujet : du soulèvement de Stonewall à l'acteur et militant des droits civiques Paul Robeson. Ses mémoires "Cures" racontent comment des professionnels de la santé mentale ont tenté de le "guérir" de son "homosexualité".

À 70 ans, il écrit "Haymarket", un roman qui se déroule en 1886 à Chicago lors de manifestations de militants syndicaux.

Son dernier livre"Atteindre les quatre-vingt-dix" est un mémoire. Dans ce document, Duberman rappelle les personnes, les événements et le travail de sa vie - de son coming-out à ses années d'étudiant - à ses relations avec son chiot bien-aimé Emma (du nom de l'icône féministe et anarchiste emblématique Emma Goldman) au vieillissement.

Dans "Reaching Ninety", Duberman cite le dicton "le vieillissement n'est pas pour les poules mouillées". Mais "le problème, c'est que j'en suis un", ajoute-t-il, "ça fait partie de mon héritage culturel". Il y a un fil conducteur dans son travail, a déclaré Duberman, qui a fondé CLAGS: CUNY's Center for LGBTQ Studies, le premier centre de recherche universitaire LGBTQ aux États-Unis. "J'ai essayé de réinventer l'écriture historique."

Il est essentiel si vous êtes historien et que vous présentez un récit d'événements passés, de rester fidèle aux preuves connues, a déclaré Duberman. "Mais il faut être clair", a-t-il ajouté, "les preuves qui nous sont parvenues sont partielles et biaisées".

Au début de sa carrière d'historien, Duberman a écrit avec une vision plus traditionnelle de l'histoire : que l'histoire pouvait être connue et racontée objectivement. Comme si le parcours de l'historien n'avait aucune incidence sur la façon dont il écrivait l'histoire.

Les premiers travaux de Duberman ont été bien accueillis. Sa biographie de 1961 "Charles Francis Adams, 1807-1886" a remporté le prestigieux prix Bancroft.

Mais, alors qu'il mûrissait personnellement et professionnellement, Duberman a commencé à remettre en question la prétention d'objectivité. Il en est venu à voir que la subjectivité est une partie essentielle de l'écriture de l'histoire.

"L'historien - avec sa propre formation - à son époque - est toujours présent dans l'histoire qu'il écrit", a déclaré Duberman, qui a obtenu son doctorat. de l'Université de Harvard en 1957.

Les historiens doivent adhérer aux preuves, a souligné Duberman. "Mais, ils doivent décider de dire qui ils sont même, en partie, pour écrire à la première personne. Pour expliquer leur réaction aux preuves." Les réactions des historiens aux preuves qu'ils découvrent sur le passé pourraient avoir un impact sur leur façon d'écrire historique, note-t-il.

Les historiens ne savent pas toujours dans quelle mesure leurs antécédents contribuent à leurs interprétations de l'histoire. Mais ils devraient tenir pour acquis qu'au moins certaines de leurs époques et opinions sont présentes, a déclaré Duberman.

"Pour moi, le choix se résume à la façon dont je dois être explicite", a-t-il déclaré, "et comment vais-je le faire savoir."

C'était une nouvelle façon de penser et d'écrire sur l'histoire. Prenez le livre de 1972 de Duberman « Black Mountain : an Exploration in Community ». Au XXe siècle, Black Mountain College était une communauté d'artistes. Mais c'était, comme à l'époque, homophobe. Un membre du corps professoral de Black Mountain a été arrêté pour avoir eu des relations sexuelles dans une voiture avec un mineur, écrit Duberman dans "Reaching Ninety". Il a été relâché avec sursis. Il est devenu un "paria instantané", a démissionné immédiatement et personne de la communauté du collège n'a offert d'aide, écrit Duberman.

Lors de l'écriture de son livre Black Mountain, Duberman s'est senti obligé de se déclarer gay. Être, en tant qu'historien, transparent sur l'impact de sa biographie sur sa vision de l'histoire.

"Il est difficile de bien penser à un endroit qui pourrait coopérer aussi pleinement que Black Mountain l'a fait dans l'autodestruction d'un individu", a écrit Duberman dans son livre Black Mountain sur la façon dont le collège a traité le professeur gay, "en fait de l'avoir supposé comme forclos ."

"Mais peut-être que j'exagère, en fonction de ma propre indignation en tant qu'homosexuel, victime potentielle", a-t-il ajouté.

En 1972, lorsque le livre a été publié, le coming out de Duberman dans sa réaction à un incident de l'histoire du Black Mountain College a reçu des critiques mitigées.

Il a été dénoncé dans des revues historiques. "Le critique du New York Times a rejeté mon coming-out comme une affaire vaguement impure", écrit Duberman dans "Reaching Ninety".

"D'autres personnes étaient bien disposées envers le livre", a déclaré Duberman, "c'étaient des universitaires, pas des historiens".

Les historiens sont un groupe conservateur de personnes, a déclaré Duberman. "Ils consacrent leur vie à préserver - soulignez-le - le passé", a-t-il déclaré, "Ils ne seront probablement pas intéressés par un format combiné qui fusionne le passé avec le présent."

Duberman n'a aucune idée de ce qui l'a rendu accro à l'histoire. "C'était inévitablement une décision inconsciente", a-t-il déclaré. "J'étais déchiré entre la littérature et le désir d'être écrivain. Pour en savoir plus sur le passé et pourquoi nous en sommes au moment où nous sommes."

Lorsque Duberman était étudiant de première année à l'Université de Yale, l'homme qui enseignait son cours d'histoire n'avait que cinq ans de plus que lui. "Lors de son tout premier cours, nous nous sommes rencontrés", a déclaré Duberman, "et nous sommes devenus amis. Il est devenu un modèle pour moi."

"Il vient de mourir à 99 ans", a ajouté Duberman, "nous n'avons jamais parlé ouvertement d'homosexualité. Mais j'ai eu la forte impression que lui aussi était gay."

Duberman, qui est né à New York, n'était pas à l'université ou à l'université. Cependant, il a visité les deux bars gays de Boston lorsqu'il était à Harvard.

Faire son coming-out n'était pas une option pour les personnes de la génération de Duberman qui ont atteint l'âge adulte dans les années 1940 et 1950. Vous pourriez être arrêté, expulsé de l'école, expulsé de votre appartement ou renvoyé de votre travail si vous disiez ouvertement qui vous étiez. Les gens l'ont mis en garde "contre toute sortie", a déclaré Duberman.

Duberman et sa sœur aînée ont été élevés dans une famille juive laïque. Son père, jeune homme, s'est échappé de son travail dans une plantation de betteraves en Russie en Allemagne puis à New York. Sa mère est allée au lycée le soir tout en travaillant comme secrétaire.

Dès l'enfance, Duberman a été mordu par l'amour du théâtre. Il est allé au camp de théâtre et a joué dans des pièces de théâtre au lycée.

En tant qu'étudiant à l'école préparatoire pour garçons (alors) Horace Mann, il a joué des rôles féminins et masculins. Une nuit, la petite amie de son ami Bob a remarqué que Duberman était "l'actrice" qui interprétait une "hôtesse de l'air" dans une pièce ce soir-là, se souvient Duberman dans "Reaching Ninety". "'Mais tu ne peux pas l'être,' haleta-t-elle, 'tu as de si belles jambes!'" Duberman se souvient qu'elle lui avait dit.

Duberman, un polymathe, grandirait pour devenir un initié privilégié tout en restant un étranger observateur et critique.

Ses nombreuses distinctions incluent : le Vernon Rice/Drama Desk Award, trois Lambda Literary Awards, un prix spécial de la National Academy of Arts and Letters pour ses contributions à la littérature et le prix 2007 pour l'ensemble de ses réalisations de l'American Historical Association. Il a été finaliste du prix Pulitzer et du National Book Award.

Lui et son compagnon de vie, Eli, psychanalyste, viennent de fêter leur 35e anniversaire. Il est vénéré pour son travail de pionnier dans l'histoire queer.

Pourtant, même s'il est blanc, cisgenre et privilégié, Duberman n'a jamais été complaisant ou content. Il se souvient encore à quel point il était horrifié dans les années 1960 lorsqu'il enseignait à Princeton. "J'ai enseigné l'esclavage", a déclaré Duberman, "j'ai été foudroyé ! Les étudiants blancs privilégiés étaient sur le point de défendre l'esclavage."

"Cela m'a choqué", a-t-il dit, "je n'aurais pas dû être surpris. Mais je l'ai été."

Plus il enseignait, plus Duberman était mécontent de ce qu'il considérait comme le système autoritaire d'éducation dans les universités. "Je ne voyais pas l'enseignant comme une figure d'autorité", a-t-il dit, "mais comme un camarade d'apprentissage."

Bien qu'il ait été titulaire, Duberman a démissionné de Princeton à cause de cela. De plus, il a osé déménager de Princeton à New York. "Alors, les gens de Princeton se sont dit : comment avez-vous pu quitter la plus belle ville du monde", a déclaré Duberman.

Duberman déplore Trump et la droite anti-queer. Mais il a également été un critique de longue date du mouvement des droits LGBTQ. Les homosexuels devraient être moins préoccupés par l'égalité du mariage et plus préoccupés par les questions de race, de classe et de justice économique, estime-t-il.

"Il y a une résistance aux mensonges de Trump", a déclaré Duberman, "et cela apparaît dans le courant dominant – dans le New Yorker – même dans le New York Times."

L'électorat est le plus grand obstacle au changement social, a déclaré Duberman. "La communauté LGBTQ, comme une grande partie du pays, est conservatrice", a-t-il ajouté.

Duberman ne se sent pas très optimiste en ce moment. Mais "je continue d'espérer que l'une des générations à venir se révélera différente", a-t-il déclaré.

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Auteur et activiste sur le coming out, l'intersectionnalité et toute une vie de plaidoyer

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(Note de l'éditeur: Une personne sur quatre en Amérique a un handicap, selon les Centers for Disease Control and Prevention. Les personnes homosexuelles et handicapées font depuis longtemps partie intégrante de la communauté LGBTQ. Prenez deux des nombreuses icônes de l'histoire queer qui ont été handicapées : Michelangelo aurait été autiste. Marsha P. Johnson, qui a joué un rôle héroïque dans le soulèvement de Stonewall, avait des handicaps physiques et psychiatriques. Aujourd'hui, l'écrivain de fantasy sourd-aveugle Elsa Sjunneson, l'acteur et amputé bilatéral Eric Graise et Kathy Martinez, une lesbienne Latinx aveugle qui était secrétaire adjointe du Travail pour la politique d'emploi des personnes handicapées pour l'administration Obama, ne sont que quelques-uns des nombreux homosexuels et handicapés. personnes de la communauté LGBTQ. Pourtant, les histoires de ce segment vital de la communauté queer ont rarement été racontées. Dans sa série « Queer, Crip and Here », The Blade racontera certaines de ces longues histoires inédites.)

Corbett Joan O'Toole, 71 ans, une aînée handicapée queer et une boursière Ford Foundation 2022 Disability Futures, savait une chose avec certitude en grandissant à Boston: elle ne voulait pas être infirmière.

O'Toole souffre d'un handicap physique depuis l'âge de 12 mois. "Je plaisante parfois en disant que mon handicap était mon cadeau d'anniversaire quand j'ai eu un an", a-t-elle déclaré lors d'un entretien téléphonique avec The Blade.

O'Toole utilise un fauteuil roulant depuis l'âge de 30 ans. Avant cela, elle marchait avec des béquilles et des attelles.

Enfant, elle avait subi une intervention chirurgicale, a déclaré O'Toole. "J'ai vu ce que les infirmières ont fait", a-t-elle ajouté. "Les hommes leur ont dit quoi faire. Je savais que les soins infirmiers n'étaient pas pour moi."

Même enfant, O'Toole pouvait dire que les employeurs masculins avaient la même attitude envers les secrétaires. "Être assise dans un bureau toute la journée ne semblait pas amusante", a-t-elle déclaré. "La seule autre chose qu'une femme blanche de ma génération pouvait être en grandissant était d'être enseignante."

"J'ai décidé d'être enseignant", a ajouté O'Toole, "où j'aurais ma propre salle de classe et aucun homme ne me dirait quoi faire."

Quand elle était jeune, O'Toole menait, selon son récit, une vie protégée. Elle ne savait pas alors qu'elle était queer. "Je ne savais pas si j'avais rencontré des personnes queer", a déclaré O'Toole, "mais j'ai toujours su que j'aimais les femmes fortes. Je pensais qu'elles étaient intéressantes."

Et, O'Toole, comme beaucoup d'enfants et d'adolescents handicapés à l'époque (et même souvent maintenant) savait qu'on attendait peu des personnes handicapées. Que les vies handicapées n'étaient pas très appréciées. "J'étais à l'école tout le temps avec des enfants non handicapés", a déclaré O'Toole.

Presque tout était alors inaccessible, des bibliothèques aux palais de justice en passant par les cinémas. L'Americans with Disabilities Act de 1990 (ADA) ne sera adopté que des décennies plus tard. "On s'attendait à ce que vous vous adaptiez même si les choses étaient inaccessibles", a déclaré O'Toole.

Si vous ne pouviez pas le faire dans un monde inaccessible, l'attitude était "vous n'avez pas à être ici", a déclaré O'Toole.

O'Toole n'a pas rencontré d'autres personnes handicapées, sauf pendant l'été, lorsqu'elle passait un mois dans un camp pour enfants handicapés. Le directeur et le personnel n'étaient pas handicapés, a déclaré O'Toole. Mais au camp, elle a pu passer du temps avec 90 autres enfants handicapés. O'Toole a pu interagir avec des gens comme elle – des enfants handicapés vivant des vies dynamiques. "Nous avons exploré la nature", a-t-elle dit, "nous avons ramassé des myrtilles. Nous avons fait des crêpes."

Là, O'Toole a développé son amour du sport tout au long de sa vie. À l'âge adulte, elle a joué au basketball en fauteuil roulant et au power soccer. Au camp d'été de son enfance, "nous avons fait du tir à l'arc", a déclaré O'Toole, "et joué au baseball".

À une époque où le sexisme était la norme, O'Toole a dû faire des choses que les filles ne pouvaient généralement pas faire au camp. "Nous sommes allés pêcher", a-t-elle déclaré, "Nous avons utilisé des outils électriques dans un atelier de menuiserie", a-t-elle déclaré, "C'était stimulant !"

Au camp, si les enfants voulaient faire quelque chose, ils trouveraient un moyen de le rendre accessible – pour que cela fonctionne, a ajouté O'Toole.

O'Toole, auteur de"Fading Scars: Mon histoire de handicap queer," un livre révolutionnaire qui a été finaliste du Lambda Literary Award, diplômé en 1973 de l'Université d'État de Fitchburg avec un baccalauréat en éducation et ses diplômes d'enseignement. L'été après l'obtention de son diplôme, elle a déménagé avec un ami à Berkeley, en Californie.

O'Toole avait hâte d'aller en Californie. Cela la sortirait du froid de la Nouvelle-Angleterre, où il est difficile de se déplacer dans la glace et la neige si vous utilisez des béquilles ou un fauteuil roulant. "Cela avait l'air amusant", a-t-elle déclaré. "Je serais dans une partie du pays où il y a un climat méditerranéen - c'est le printemps ou l'été. Pas de neige."

Le déménagement en Californie a été transformateur pour O'Toole.

Là-bas, les gens ont pensé à l'accessibilité pour les personnes handicapées. Elle a rencontré des personnes homosexuelles et des personnes handicapées ainsi que de nombreuses lesbiennes valides et handicapées.

"A 23 ans, je suis sorti", a déclaré O'Toole, "j'ai rencontré une femme dans un atelier pour femmes."

Elle a fait la connaissance de Kitty Cone, une dirigeante du mouvement des lesbiennes et des droits des personnes handicapées. (Cone est décédé en 2015.) Elle a connecté O'Toole au mouvement de vie autonome en plein essor. "Elle m'a amenée au Center for Independent Living de Berkeley et à la communauté lesbienne handicapée", a déclaré O'Toole.

Le mouvement de vie autonome croit en l'autodétermination et au respect de soi pour les personnes handicapées. Il combat la discrimination fondée sur le handicap et considère le handicap d'un point de vue culturel et social plutôt que médical. Les centres de vie autonome sont des organisations communautaires à but non lucratif, organisées et contrôlées par des personnes handicapées. Ils fournissent des services de plaidoyer, d'information et d'autres services.

"Le CIL de Berkeley comptait beaucoup de lesbiennes non handicapées", a déclaré O'Toole, "nous sommes les épouses de tous les mouvements".

O'Toole est venu en Californie à un moment charnière de l'histoire du handicap - au début du mouvement moderne des droits des personnes handicapées. Elle est rapidement devenue une partie essentielle de cette histoire.

O'Toole, avec Cone et Judith Heumann, le fondateur du mouvement des droits des personnes handicapées décédé le mois dernier, a été un chef de file dans une occupation de près d'un mois en 1977 par des manifestants handicapés et leurs alliés d'un bâtiment fédéral de San Francisco connu sous le nom de "504 sit -dans." À la suite de la manifestation, l'administration Carter a signé le règlement '504', qui interdisait aux écoles, aux hôpitaux et aux autres entités recevant des fonds fédéraux de discriminer les personnes handicapées. Ces règlements étaient le précurseur de l'ADA.

"Berkeley est devenu comme La Mecque", a déclaré O'Toole, qui apparaît dans le documentaire nominé aux Oscars "Crip Camp". "Les personnes handicapées sont venues à Berkeley du monde entier."

Dans les années qui ont suivi les années 1970, la vie d'O'Toole a contenu plus de multitudes que même Walt Whitman n'aurait pu l'imaginer.

Elle est une mère célibataire. Sa fille, qu'elle a adoptée, souffre d'un handicap physique. O'Toole a été l'un des fondateurs de l'Axis Dance Company, un ensemble acclamé d'artistes handicapés et non handicapés. Actuellement, elle travaille sur un roman et voyage dans un camping-car qu'elle a construit elle-même.

Mais les choses n'ont pas toujours été faciles pour O'Toole. Comme de nombreux parents handicapés, en particulier ceux qui sont handicapés et homosexuels, elle a rencontré des préjugés.

La fille d'O'Toole a maintenant 30 ans. Élevant sa fille, O'Toole craignait souvent que parce qu'elle était une mère célibataire, handicapée et queer, elle perdrait la garde de son enfant handicapé physique. C'était difficile, a déclaré O'Toole, en raison du préjugé contre les homosexuels et les personnes handicapées en tant que parents.

"Les tribunaux - le système de services sociaux - ne sont que trop heureux de retirer vos enfants", a déclaré O'Toole.

O'Toole a dû se battre pour que sa fille obtienne les services et l'éducation dont elle avait besoin.

"Parce que j'étais lesbienne, je devais constamment être dans le placard", a-t-elle dit, "de peur qu'ils m'enlèvent mon enfant si j'étais sortie".

Ses amants, s'ils étaient autour du personnel du système scolaire, devraient faire semblant d'être "juste mes amis", a déclaré O'Toole.

Pendant des décennies, bien avant que l'intersectionnalité ne soit un mot à la mode, O'Toole, qui est blanc, a réfléchi à l'intersection de la classe, de l'homosexualité, de la race et du handicap.

"J'ai grandi dans un quartier ouvrier", a déclaré O'Toole. "Mon père était pompier. On m'a beaucoup appris sur la classe."

"Mais il y avait beaucoup de racisme ancré dans mon monde", a-t-elle ajouté.

Ce n'est que lorsqu'elle est allée à Berkeley et est devenue membre de la communauté lesbienne qu'elle était "dans des chambres avec des lesbiennes de couleur", a déclaré O'Toole.

Les femmes blanches doivent mieux écouter les femmes de couleur, a-t-elle déclaré. "Nous devons suivre leur exemple."

O'Toole ne pouvait pas croire à quel point elle ne savait pas ce que les femmes de couleur vivaient. Prenez juste une chose : "Je ne savais pas que les contraventions de stationnement pouvaient se transformer en peines de prison", a-t-elle déclaré.

"Je dois faire le travail", a ajouté O'Toole, "ce n'est pas leur travail de m'éduquer. C'est mon racisme qui m'empêche d'accéder à la vérité."

Malgré toutes les difficultés, O'Toole garde espoir. Les gens sont résilients. Ils s'aiment et prennent soin l'un de l'autre, dit-elle. "Que faites-vous pour répandre l'espoir", a demandé O'Toole.

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Cette année, 50 % des meilleures séries dramatiques, 25 % des meilleures comédies et 60 % des meilleures séries limitées présentaient des personnages ou des intrigues LGBTQ

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LOS ANGELES – La pandémie est terminée (dans le monde des remises de prix en tout cas), et les paillettes et le glamour sont de retour. C'est l'impression dominante de la 74e édition des Emmy Awards de cette année. Le spectacle était époustouflant et excitant dès le départ, mais même avec le faste et le bruit de la célébration, une présence étrange ne devait pas être noyée.

Le ton de la représentation a été lancé immédiatement lorsque l'annonceur, comique queer, Sam Jay, l'air vif dans son smoking noir, a pris le micro. Devant la caméra encore plus que l'hôte Kenan Thompson, Jay était une présence et une personnalité et résolument queer. Si son pouvoir gay ne suffisait pas, le point a été fait lorsque Thompson et l'acteur Boen Yang ont plaisanté sur scène. Thompson a accusé Yang d'un commentaire étant "un crime de haine", Yang a rétorqué "Pas si je le fais. Alors c'est de la représentation."

La représentation allait être faite ce soir. La visibilité était importante compte tenu, selon le GLAAD Where We Are on TV Report, sur 775 personnages réguliers de la série, seuls 92 sont LGBTQ (moins de 12%). Ce 11+ pour cent est un record de personnages LGBTQ dans toute l'histoire de la télévision. Le record a été établi par une augmentation des personnages lesbiens, bisexuels et transgenres, mais une diminution des personnages masculins homosexuels par rapport à l'année précédente.

Pour les nominations aux Emmy Awards, 50 % des nominés des meilleures séries dramatiques, 25 % de la meilleure comédie et 60 % des meilleures séries limitées présentaient des personnages ou des intrigues LGBTQ. En ce qui concerne les talents queer, c'était plus sporadique, fortement orienté vers les "catégories de soutien" et souvent avec des talents queer tous dans la même catégorie les uns contre les autres.

Quoi qu'il en soit, nous nous sommes présentés, tout comme d'autres personnes qui ont obtenu la reconnaissance de leur identité. Certains des moments clés des représentants LGBTQ comprenaient :

Au-delà de la portée arc-en-ciel de la représentation queer, la représentation intersectionnelle, iconique et historique était également à portée de main :

Oui, il y a eu un jour, il n'y a pas si longtemps, où la mention d'un seul conjoint de même sexe, ou un commentaire renégat pro-lgbtq, a fait déborder nos cœurs queer. Ces jours sont passés. Nous obtenons une place à table. La représentation commence à se lever et à se faire entendre.

Pour ceux qui le recherchent à juste titre et en recherchent davantage, le meilleur conseil est venu de Sheryl Lee Ralph : "À tous ceux qui ont jamais, jamais eu un rêve et pensé que votre rêve n'était pas, ne pourrait pas se réaliser c'est vrai, je suis ici pour vous dire que c'est à cela que ressemble la croyance, c'est à cela que ressemble l'effort, et ne vous abandonnez jamais, jamais."

Actrice sur processus, perfectionnant un accent du sud, et sa suite queer

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Daisy Edgar-Jones est une actrice dont la carrière s'épanouit comme son homonyme. Depuis quelques années, elle semble être partout. Les téléspectateurs LGBTQ reconnaîtront peut-être Edgar-Jones pour son rôle de Delia Rawson dans la série homosexuelle récemment annulée de HBO "Gentleman Jack". Elle a également joué des rôles mémorables dans deux séries populaires de Hulu, "Normal People" et "Under the Banner of Heaven". Plus tôt cette année, Edgar-Jones a été vu comme Noa dans le film d'horreur/comédie noire "Fresh" aux côtés de Sebastian Stan.

Avec son nouveau film, "Where the Crawdads Sing" (Sony/Columbia), elle devient officiellement actrice principale. Basé sur le titre populaire du club de lecture de Delia Owens du même nom, le film s'étend sur une période de temps considérable, en partie mystère de meurtre, en partie drame judiciaire. Elle a eu la gentillesse de répondre à quelques questions pour la Lame.

LAME:Daisy, aviez-vous lu le roman de Delia Owens "Where the Crawdads Sing" avant de signer pour jouer Kya ?

DAISY EDGAR-JONES : Je l'ai lu pendant mon processus d'audition, alors que j'auditionnais pour le rôle. Ainsi, les deux allaient de pair.

LAME:Qu'est-ce qui vous a plu en tant qu'actrice dans le personnage de Kya ?

EDGAR-JONES : Il y avait tellement de choses chez elle qui m'attiraient. Je pense que le fait qu'elle soit une femme très compliquée. Elle est un mélange de choses. Elle est douce et elle est curieuse. Elle est forte et elle est résistante. Elle se sentait comme une vraie personne. J'adore les études de personnages réels et c'était comme un personnage dans lequel je n'ai pas eu l'occasion de me plonger. C'était différent de tous ceux avec qui j'ai joué auparavant. Sa résilience était une de celles que j'admirais vraiment. Donc, je voulais vraiment passer du temps avec elle.

LAME: Alors que Kya est en prison, accusée d'avoir tué le personnage de Chase, elle reçoit la visite d'un chat dans sa cellule. Aimez-vous les chats ou préférez-vous les chiens ?

EDGAR-JONES : J'aime les deux! Je pense que j'aime le fait que les chiens vous aiment inconditionnellement. Alors que l'amour d'un chat peut sembler un peu conditionnel. Je pense que les deux sont très mignons. Probablement, si je devais choisir, ce serait des chiens.

LAME:Je suis une personne de chien, donc je suis content que vous ayez dit cela.

EDGAR-JONES: [Des rires]

LAME: Kya vit dans le marais et passe beaucoup de temps sur et dans l'eau. Êtes-vous un nageur ou préférez-vous être sur la terre ferme ?

EDGAR-JONES : J'aime nager, je fais. J'ai beaucoup grandi en nageant. Si jamais je suis en vacances, j'aime que ce soit au bord de la mer ou au bord d'une belle piscine.

LAME: Kya est aussi une artiste douée, et c'est ce qui lui apporte une grande joie. Dessinez-vous ou peignez-vous?

EDGAR-JONES : Je griffonne toujours. Je suis un gribouilleur passionné. J'aime dessiner et peindre. J'adorais ça à l'école. Je ne dirais pas que j'étais aussi doué que Kya. Mais j'adore dessiner si j'en ai l'occasion.

LAME: Kya est née et a grandi en Caroline du Nord. Que pouvez-vous me dire sur votre processus lorsqu'il s'agit de faire un accent du sud ou un accent américain en général ?

EDGAR-JONES : C'est évidemment assez différent du mien. J'ai eu la chance de passer beaucoup de temps à travailler sur divers accents pour différentes parties depuis quelques années maintenant, donc j'ai l'impression d'avoir développé une oreille pour, je suppose, la différence de ton et de voyelle [ des rires]. En ce qui concerne cela, il était très important de bien faire les choses, bien sûr. Kya a une voix douce et très lyrique, à laquelle je pense que le son de Caroline du Nord m'a vraiment aidé à accéder. J'ai travaillé avec un coach d'accent brillant qui m'a aidé et j'ai juste écouté et écouté.

LAME: Pendant que je regardais "Where the Crawdads Sing", j'ai pensé à la façon dont Kya pourrait facilement être un personnage de la communauté LGBTQ parce qu'elle est considérée comme une étrangère, est évitée et ridiculisée, et subit des dommages physiques et émotionnels. Voyez-vous aussi les parallèles?

EDGAR-JONES : Je fais certainement. Je pense que cet aspect d'être un étranger est là, et ce film fait un très bon travail pour montrer à quel point il est important d'être gentil avec tout le monde. Je pense que ce film célèbre la bonté que vous pouvez vous donner si vous choisissez d'être gentil. Oui, je vois clairement les parallèles.

LAME:Connaissez-vous un public LGBTQ pour votre carrière d'acteur ?

EDGAR-JONES: J'ai tendance à rester en dehors des réseaux sociaux et honnêtement, je ne sais pas vraiment qui me suit, mais j'espère vraiment que les projets sur lesquels j'ai travaillé trouveront un écho auprès de tout le monde.

LAME:Y a-t-il des projets d'acteur à venir que vous aimeriez mentionner?

EDGAR-JONES : Aucun dont je puisse encore parler. Mais il y a quelques choses qui arrivent l'année prochaine, donc je suis vraiment excité.

Elle est la première actrice trans à recevoir une nomination aux Tony Awards et la première interprète trans à figurer dans une œuvre qui a remporté un Pulitzer.

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NEW YORK CITY – "Je ne suis qu'une fille", me dit L Morgan Lee. Cette simple déclaration est sa définition d'elle-même, une fille qui prend la vie une étape à la fois.

Pour le reste d'entre nous, L Morgan Lee est tellement plus. Elle est l'actrice primée qui joue à Broadway dans l'émission à succès de la saison, A Strange Loop. Son talent de chanteuse correspond à celui de n'importe quelle diva légendaire, elle crée des projets théâtraux marquants sur la féminité et des articles du New York Times sont écrits à son sujet. Elle est la "fille" sous les projecteurs maintenant.

Elle est également la première actrice ou actrice transgenre à recevoir une nomination aux Tony Awards.

Bien qu'elle ne soit pas la première interprète trans à être vue sur une scène de Broadway, elle semble avoir brisé le plafond de verre (ou certains pourraient dire, de ciment) d'être reconnue dans l'échelon supérieur du talent. Elle est la première interprète transgenre à figurer dans une œuvre qui a remporté un Pulitzer. Alors que le Pulitzer reconnaît l'auteur, qu'elle n'était pas, sa contribution créative a certainement été intégrée dans le dernier livre de la pièce.

L Morgan a parcouru un chemin complexe vers la conscience de soi. "Pour moi, même en termes d'être trans, l'idée d'être quelque chose en dehors de ce qui m'a été assigné à la naissance était tout simplement risible et folle pour moi quand j'étais enfant", dit-elle. "C'est juste, ça n'avait aucun sens. Ce n'était pas quelque chose que j'étais à l'aise de dire à voix haute à qui que ce soit ou d'exprimer. Comment aurais-je été regardé par mes parents, par quelqu'un d'autre ? Alors, je m'asseyais et je rêvais. Le rêve est , je pense, quelles formes, une grande partie de la vie et des expériences de tant de personnes queer. Ces rêves deviennent nos bouées de sauvetage. Je rêverais et rêverais. J'ai un souvenir de quand j'avais peut-être six ans, au milieu de la nuit, regardant au plafond de ma chambre. Se réveiller trempé de larmes. Dire, si je pouvais me réveiller et être une fille, une fille, tout irait bien. Elle ajoute. "C'est pourquoi je suis tellement excité d'avoir eu ma première opportunité d'être à Broadway, excité d'avoir obtenu une nomination aux Tony. Parce que je sais qu'il y a un gamin quelque part, qui regarde aussi le plafond en disant la même chose. "

La première aventure de L Morgan dans la scène a eu lieu lorsqu'elle était enfant et a ironiquement projeté sa future fluidité identitaire : elle s'est déguisée et a interprété "Karma Chameleon" à l'école maternelle. Elle s'est permise d'explorer sa véritable identité sous le couvert d'un costume d'Halloween quelques années plus tard. Elle est allée dans un drag glamour à la mode, et cela a changé son monde pour toujours. "Dès que je l'ai fait, j'ai ressenti une bouffée d'énergie que je n'avais jamais ressentie auparavant. Je me suis enfin senti libre à bien des égards. C'est comme si c'était comme si je pouvais enfin respirer."

Lorsqu'elle a commencé à travailler sur A Strange Loop, elle avait été choisie en supposant qu'elle était un homme cisgenre jouant des rôles féminins. Au fil des années de travail sur la pièce, le voyage transgenre de L Morgan s'est intensifié et elle a tenté de démissionner de la pièce en réalisant qu'elle n'était plus la personne qu'ils pensaient avoir embauchée. Non seulement ils étaient au courant, comme beaucoup de proches peuvent l'être, de son parcours, mais ils l'ont embrassée et lui ont assuré qu'elle lui appartenait plus que jamais.

"Les personnages que j'ai joués m'ont permis, à certains égards, de me cacher jusqu'à ce que je puisse être plus public sur qui je suis. Et une fois que j'ai fait cela, cela a certainement apporté une autre couche de profondeur à ce que je faisais. J'ai été tellement plus à l'aise dans ma peau. J'ai grandi. La transition s'est installée davantage. Ainsi, mes points de vue sur la série, les gens que je joue et ma vision de la vie en général ont évolué au cours du processus. Donc, certainement la femme que je suis aujourd'hui, voit la série et le scénario, et les personnages que je joue d'une manière très différente de celle que j'avais lorsque je me suis assise pour la première fois en 2015."

Sa croissance au sein de la série et la croissance de la série elle-même sont étroitement liées. Certes, une partie de la magie du spectacle réside dans le fait qu'il n'est pas tant "joué" que vécu à partir de l'âme des acteurs. L Morgan décrit : « L'expérience de A Strange Loop a été belle, complexe, en couches et en constante évolution, pour moi en particulier. Chaque fois que je reviens dans la salle de répétition avec ce projet, mon propre objectif a légèrement évolué ou a avancé à certains égards."

"La pièce est aussi forte qu'elle l'est parce que l'objectif lui-même, l'objectif à travers lequel l'histoire est racontée, est très spécifique et très honnête. À l'intérieur de cette spécificité, il y a beaucoup de complications et de couches et de choses désordonnées. Il y a des choses qui vous ne "parlez pas à haute voix" tabou à discuter. Il y a des choses que les gens considèrent comme problématiques. Il y a tellement de choses à l'intérieur de tout cela, mais c'est honnête et c'est humain. C'est un jeune de 25 ans, qui est sur le point d'avoir 26 ans, une sorte de rage dans la vie, se sentant opprimé et invisible et criant pour trouver comment il s'intègre dans le monde. C'est ainsi qu'il peut trouver sa voix la plus vraie dans un monde qui ne lui permet pas vraiment de se sentir comme il suffit. Parce qu'il est si spécifique à propos de ces choses, la série touche tant de personnes différentes.

L Morgan a démontré son coming out en tant qu'actrice transgenre confiante, avec ses vulnérabilités non cachées, lors de la soirée d'ouverture de la pièce et les décisions qu'elle a prises alors qu'elle se mettait sous les projecteurs du public. "Je ressens une responsabilité. C'est comme un rêve, c'est merveilleux. C'est excitant. C'est comme tout ce que j'ai jamais demandé, mais le sentiment le plus poignant pour moi est la responsabilité. Comment pourrais-je me présenter pour cette personne qui doit me trouver."

"Lors de ma soirée d'ouverture à Broadway, nous essayions de comprendre ce que j'allais faire avec la robe et les cheveux et toutes ces choses. Vous n'obtenez qu'une première fois. Vous obtenez vos débuts une fois. Alors, comment puis-je faire le la plupart de ce moment ? Je me sentais brut et excité. J'avais besoin de montrer la version la plus honnête et la plus nette de moi-même possible. J'avais besoin de montrer ma tête rasée parce que c'est quelque chose qui est important pour moi. C'est quelque chose, je n'ai presque jamais spectacle. Je suis sorti révélé, exposé et vulnérable sur le tapis rouge très public, parlant aux caméras avec ma tête bourdonnante. Notre relation avec les cheveux est très profonde, en particulier pour les personnes trans, et il y avait quelque chose à ce sujet, qui ressemblait juste à, J'avais besoin de le faire. Ce gamin quelque part sous les couvertures a besoin de voir cette femme trans qui fait ses débuts à Broadway et elle est dans une jolie robe et elle a la tête rasée, et elle a l'air d'être à l'aise. Puis quand vous l'entendez parler à ce sujet, vous entendez parler de sa vulnérabilité et entendez qu'elle se sentait nerveuse, et vous entendez qu'elle faisait face à la dysphorie et qu'elle faisait face à la confiance et qu'elle faisait face à toutes ces choses que nous attachions à nos cheveux et elle révèle ces choses. Non seulement parce qu'elles sont vraies, mais parce que lorsque nous révélons Notre Vérité, notre humanité, il y a là une universalité. Il y a une connexion à l'intérieur de notre vulnérabilité."

Alors que la nomination de Tony intensifie son expérience à Broadway, L Morgan ne perd pas de vue son existence mortelle. "Le jour où les nominations aux Tony ont eu lieu, je me suis effondré, je l'ai complètement perdu dans ma chambre. Puis j'ai réalisé que j'avais encore besoin d'un canapé et de nettoyer l'appartement. Je me sens toujours normal. C'était un rêve fou et en même temps, ta vraie vie continue. J'essaie juste de mettre un pied devant l'autre.

La nuit des Tonys. L Morgan affrontera de gros frappeurs. La légende de Broadway Patty LuPone n'est pas la moindre. L Morgan est d'accord avec ça. Son rêve a été de voir son visage dans l'une des caméras à la télévision des espoirs nominés.

"La principale raison pour laquelle je fais, ce que je fais en est une parce que j'aime raconter des histoires. Mon expérience est noire, mon expérience est trans, mais je suis juste, je ne suis qu'une femme. Je suis une femme qui a eu une expérience trans. C'est mon histoire. Je sais que quelque part il y a un enfant, comme je l'ai dit, qui est exactement comme moi. Il est extrêmement important pour moi de rendre cet enfant fier et de faire en sorte qu'il se sente vu et de lui faire savoir que c'est possible. "

"Je veux que cet enfant puisse savoir que le plus important, c'est qu'il est déjà celui qu'il rêve d'être. Le monde vous dit quelque chose de différent, mais vous savez qui vous êtes. Il n'y a rien de mal avec vous, il n'y a rien de mal avec Nous. Le monde ne nous a jamais dit que nous étions une option.

"Ce gamin a besoin de trouver mon histoire. Ils ont besoin de savoir que nous existons. C'est la raison pour laquelle il m'a fallu si longtemps pour parler publiquement des choses et commencer à parler, parce que je ne voyais pas assez d'exemples. Il y a une citation, ' elle avait besoin d'un héros, alors c'est ce qu'elle est devenue. Je vis vraiment par ça."

Elle avait besoin de voir une transwoman Tony Nominee. C'est donc ce qu'elle est devenue.

Quand ils appelleront le gagnant de Tony Night, ce sera entre une légende de Broadway et la nouvelle icône de Broadway.

Quoi qu'il en soit, un autre plafond a été brisé pour toujours, et quelque part une fille trans cachée réalisera que son rêve peut aussi devenir réalité.

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Le plus grand moment queer de la soirée a été la victoire historique d'Ariana DeBose en tant que première femme à remporter l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle.

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HOLLYWOOD - Au moment où vous lisez ceci, le plus grand moment des Oscars de cette année sera déjà une vieille nouvelle - mais avant de pouvoir passer à une discussion sur ce que les victoires et les défaites révèlent sur l'état de la représentation, de l'inclusion et de l'acceptation des LGBTQ+ dans l'industrie cinématographique hollywoodienne, nous devons en parler de toute façon.

Lorsque Will Smith est monté sur cette scène au Dolby Theatre pour agresser physiquement Chris Rock – un comédien professionnel, faisant le travail pour lequel il a été embauché de bonne foi qu'il serait à l'abri de blessures corporelles tout en le faisant – pour avoir fait un certes bon marché et blague pas très drôle, c'était un moment d'histoire instantanée des Oscars qui a éclipsé tout le reste de la soirée.

Il y a eu suffisamment de discussions sur l'incident pour que nous n'ayons pas besoin d'y consacrer de la place ici - aussi tentant soit-il - si ce n'est pour affirmer la ferme conviction que la violence n'est jamais un bon moyen d'exprimer sa désapprobation d'une blague, en particulier lors d'une émission en direct qui est vue par des millions de personnes.

Smith, qu'il méritait ou non sa victoire pour le meilleur acteur, n'a réussi qu'à s'assurer que son exploit - qui aurait pu être un moment triomphal et historique pour la représentation noire à Hollywood, sans parler d'une casquette honorable pour sa propre longue et inspirante carrière - sera à jamais gâché, et la non-excuse manifestement sincère qui a remplacé ce qui aurait pu autrement être son discours d'acceptation n'était qu'un exemple classique d'éteindre le feu avec de l'essence.

Pourtant, cet affichage polarisant nous permet également un tremplin vers le sujet beaucoup plus important de la visibilité queer dans les films, grâce à une autre controverse centrée sur Smith (et il y en a eu tellement, vraiment) depuis les premiers jours de sa carrière qui jette beaucoup de lumière sur les attitudes homophobes d'une industrie presque aussi célèbre pour jouer des deux côtés de la clôture que pour l'art qu'elle produit.

En 1993, fort de son succès en tant qu'artiste hip-hop devenu acteur et tremplin de sa renommée "Fresh Prince of Bel-Air" vers une carrière cinématographique, Smith est apparu dans l'adaptation cinématographique de la pièce acclamée par la critique de John Guare "Six Degrees". of Separation ", jouant un jeune escroc qui s'attaque à un couple riche de Manhattan (joué par Donald Sutherland et Stockard Channing), les convainquant de leur donner de l'argent et même d'emménager dans leur maison avant qu'ils ne découvrent finalement la vérité après être rentrés à la maison pour le trouver au lit avec un arnaqueur.

Sans surprise (c'était en 1993, après tout), une partie du contenu homosexuel de la pièce a été "adoucie" pour la version cinématographique, mais Smith a quand même été appelé à jouer dans une scène représentant un baiser entre lui et sa co-vedette Anthony Michael Hall. Après avoir initialement accepté, il a brusquement changé d'avis (en raison des conseils de son ami et mentor Denzel Washington, qui l'a averti qu'embrasser un homme à l'écran pourrait avoir un impact négatif sur sa future carrière) et a refusé de faire le baiser, ce qui a nécessité l'utilisation de la ruse de la caméra. pour accomplir la scène.

Des décennies plus tard, Smith a exprimé ses regrets face à ce choix, affirmant qu'il était « immature » et qu'il aurait dû poursuivre le baiser – mais l'histoire donne néanmoins un aperçu de la pression exercée sur les acteurs d'Hollywood pour qu'ils paraissent hétérosexuels pour leur public, non. malgré les progrès, cette pression continue aujourd'hui - et Smith, dont le mariage peu orthodoxe et publiquement rocheux l'a déjà placé sous un microscope sans doute injuste, a également été allégué (le plus notoirement par l'actrice trans Alexis Arquette, qui a fait des commentaires controversés sur le couple peu avant sa mort en 2016) de participer à un faux mariage dans le but de dissimuler à la fois sa sexualité homosexuelle et celle de sa femme, l'a peut-être ressenti lorsqu'il a été poussé à affirmer sa masculinité aux Oscars.

Vraies ou non, de telles rumeurs ont toujours le potentiel de ruiner des carrières à Hollywood ; et bien qu'il soit peut-être trop simple de supposer que l'homophobie était à l'origine de la violation malavisée du décorum par Smith, c'est néanmoins un sujet qui va droit au cœur de la raison pour laquelle l'Académie, même en 2022, a un bilan aussi épouvantable pour récompenser - ou même y compris – des acteurs ouvertement homosexuels la nuit des Oscars.

Certes, les choses se sont améliorées, au moins en ce qui concerne la possibilité d'afficher l'homosexualité lors de la cérémonie. Dimanche soir, Kristen Stewart, nominée pour la meilleure actrice, était présente avec son fiancé, Dylan Miller, le couple partageant un baiser public sur le tapis rouge à leur arrivée pour les festivités; le trio d'animatrices – qui comprenait notre femme de couleur Wanda Sikes aux côtés de ses collègues comédiens Amy Schumer et Regina Hall – a appelé le projet de loi "Don't Say Gay" de Floride avec une blague provocante lors de leur présentation d'ouverture.

Jessica Chastain – qui a remporté le prix de la meilleure actrice pour avoir joué l'improbable alliée LGBTQ et défenseure du sida Tammy Faye Baker dans "The Eyes of Tammy Faye" – a prononcé un discours émouvant dénonçant la législation anti-LGBTQ et plaidant pour que toutes les personnes soient "acceptées pour qui nous sommes, accepté pour qui nous aimons, et de vivre une vie sans peur de la violence ou de la terreur."

De nombreux participants à la soirée, qu'ils soient hommes ou femmes, queers ou hétéros, ont profité de l'occasion pour repousser les limites du genre avec leur couture pour la soirée (merci pour cela, Timothée Chalamet). Elliot Page, rejoignant Jennifer Garner et JK Simmons pour une réunion "Juno", est devenu le premier homme trans à être présentateur aux Oscars. Enfin, deux icônes queer bien-aimées ont partagé la scène pour la finale de la soirée, alors que Lady Gaga était rejointe par Liza Minnelli, frêle mais pleine d'une joie évidente d'être là, pour remettre le prix du meilleur film.

Le plus grand moment queer de la soirée, bien sûr, a également été l'un des premiers : la victoire historique d'Ariana DeBose en tant que première femme à remporter l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle. En acceptant le prix (pour lequel elle était considérée de loin comme la première), De Bose a fièrement souligné son homosexualité aux côtés de ses autres identités croisées, en disant "Vous voyez une femme de couleur ouvertement homosexuelle, une Afro-Latina, qui a trouvé sa force et la vie à travers l'art. Et c'est, je pense, ce que nous sommes ici pour célébrer. "Les autres nominés queer de la soirée n'ont pas si bien réussi. "Flee", le documentaire danois sur l'évasion d'un réfugié gay afghan de son pays natal à l'adolescence, est entré dans l'histoire en marquant trois nominations en tant que meilleur long métrage documentaire, meilleur long métrage international et meilleur long métrage d'animation, mais il est rentré chez lui les mains vides. Stewart - le seul autre nominé par intérim ouvertement queer - a perdu contre Chastain pour la meilleure actrice, et "Power of the Dog", qui divise mais sur le thème queer, a perdu son offre pour le meilleur film contre "CODA", ainsi que toutes ses multiples nominations d'acteur – bien que sa réalisatrice, Jane Campion, déjà la première femme à être nominée deux fois pour le prix du meilleur réalisateur, soit devenue la troisième femme à le remporter.

Bien sûr, l'Oscar, comme tout autre prix, devrait être décerné au candidat le plus méritant, indépendamment de sa sexualité, de son sexe ou de tout autre statut "d'identité", et il semble déraisonnable de s'attendre à ce que tous les nominés queer gagnent - même si certains pourraient penser un peu de favoritisme réparateur ne serait pas forcément un mal pour équilibrer la balance. Même ainsi, personne n'a une chance de gagner s'il n'est même pas nominé, et c'est là qu'Oscar a échoué à plusieurs reprises et de manière persistante.

Selon un récent rapport du professeur Russell Robinson, directeur de la faculté du Berkeley Law's Center on Race, Sexuality & Culture, l'analyse de plus d'un demi-siècle de nominations d'acteurs aux Oscars révèle que sur 68 nominations (et 14 victoires) pour des artistes jouant LGBTQ rôles, seuls deux nominés – dont aucun n'a gagné – étaient identifiés comme LGBTQ dans la vraie vie.

Alors que des acteurs comme Tom Hanks ("Philadelphie"), Sean Penn ("Milk"), Penélope Cruz ("Parallel Mothers" et "Vicky Cristina Barcelona"), et feu William Hurt ("Kiss of the Spider Woman") ont fait carrière -renforçant les éloges avec leurs Oscars pour avoir joué des personnages queer, il n'y a pas d'histoires de réussite équivalentes pour les acteurs queer jouant des rôles hétéros - en effet, seuls huit interprètes ouvertement queer ont obtenu une nomination pour N'IMPORTE QUEL rôle, queer ou autre, dans toute l'histoire du Oscars, et aucun artiste transgenre n'en a jamais reçu.

Bien que l'on puisse croire que des statistiques comme celle-ci commencent au moins à changer, gardez à l'esprit que les deux nominations aux Oscars de Benedict Cumberbatch jusqu'à présent étaient pour avoir joué des hommes homosexuels, y compris "Power of the Dog" de cette année (le premier était pour jouer de vrai- héros queer de la vie Alan Turing dans "The Imitation Game").

La question de savoir si des acteurs hétéros jouant des personnages queer sont appropriés est bien sûr très controversée, avec des arguments raisonnables – et des voix queer à l'appui – des deux côtés. Nous n'essaierons pas d'examiner en profondeur cette question ici, mais ce qui est évident, même sans les statistiques ci-dessus, c'est que l'Académie - ou plutôt, en la regardant d'un point de vue plus large, Hollywood elle-même - a un préjugé profondément enraciné contre queerness, quelle que soit la force avec laquelle il se proclame être un allié.

Oui, des progrès ont indéniablement été réalisés, surtout au cours des dernières années ; la forte diffusion de films comme "Moonlight", "Call Me By Your Name", "Bohemian Rhapsody" et d'autres titres orientés LGBTQ lors des dernières soirées des Oscars n'est passée ni inaperçue ni inappréciée.

Pourtant, l'Académie - ainsi que l'industrie qu'elle représente - a pour habitude de répondre aux critiques sur son caractère inclusif par des demi-mesures. Il faut plus qu'un hashtag pour mettre fin au harcèlement sexuel des femmes sur le lieu de travail, peu importe le nombre de fois qu'il est affiché à l'écran lors d'une remise de prix, et il faut plus qu'une nomination symbolique toutes les quelques années pour donner une place équitable à une population sous-représentée à table aussi.

La cérémonie de cette année n'a pas été sans faux pas. Le choix de repousser les récompenses de l'émission pour le temps tout en consacrant simultanément des minutes à un hommage à James Bond ou à l'interprétation d'une chanson ("Nous ne parlons pas de Bruno" de "Encanto" de Disney) qui n'a même pas été nominée ; accompagnant l'hommage annuel "In Memoriam" aux chers disparus de l'année avec une danse chorégraphiée et une performance vocale; l'insensibilité de précipiter certains gagnants (comme le réalisateur de "Drive My Car" Ryusuke Hamaguchi, acceptant lorsque son film a remporté le prix du meilleur long métrage international) pour terminer leurs discours tout en laissant les autres continuer sans interruption ; ces décisions et d'autres irréfléchies avaient déjà entaché le spectacle avant que "la gifle entendue" dans le monde entier "ne se produise. Néanmoins, ce spectacle des Oscars semblait plus authentique que beaucoup de mémoire récente. Il y avait une qualité brute et imprévisible, peut-être enracinée dans le choix controversé de l'Académie de reléguer plusieurs récompenses "moins" à une présentation d'avant-spectacle, qui s'est manifestée dans la réponse inconfortable du public à l'humour souvent vif des hôtesses Sikes, Schuman et Hall – qui ont impitoyablement embroché l'approche hollywoodienne du sexisme, du racisme, de l'homophobie et plus encore tout au long de la série, souvent avec une appréhension visible sur la façon dont leurs blagues pourraient atterrir.

Malgré la nervosité, leur présence et leur appel comique à l'hypocrisie de l'industrie, ainsi que la volonté des célébrités de la maison d'en rire, ont été un élément qui a suffisamment élevé la procédure pour la rendre non seulement supportable, mais parfois même agréable.

Cela ne veut pas dire que l'Académie peut se reposer sur ses lauriers. Bien qu'il soit devenu courant pour leur remise de prix - et toutes les autres, d'ailleurs - de servir comme une sorte de rôti de célébrités, où des blagues sont faites et riaient sur le problème brûlant de l'industrie du jour, les problèmes persistants à Hollywood ne peut pas être corrigé simplement en permettant à ses travailleurs de se défouler en se moquant d'eux une fois par an.

L'industrie cinématographique pense qu'en accompagnant l'humour autodérision de sa propre misogynie, de son racisme et de son homophobie, elle obtient un laissez-passer pour continuer à ignorer la demande croissante du public d'éliminer ces mêmes ingrédients toxiques de sa recette standard.

Peut-être que l'incident de Smith, basé comme il semble avoir été dans une démonstration de domination masculine, suscitera une introspection au sein de la communauté du divertissement sur sa propre hypocrisie rampante. Espérons-le, car si les Oscars doivent jamais être vraiment inclusifs dans leur représentation de chaque segment de notre société, peu importe qui ils sont ou qui ils aiment, c'est quelque chose qui doit se produire en premier dans les films que leurs prix sont censés honneur.

Nous avons parcouru un long chemin, bien sûr, mais nous n'en sommes pas encore là.

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C'était la première nomination aux Oscars et aux Oscars de DeBose. La cérémonie de remise des prix a eu lieu au Dolby Theatre à Hollywood

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HOLLYWOOD (Reuters) – Ariana DeBose, originaire de Caroline du Nord, qui s'identifie comme une Afro-Latina noire et biraciale, a remporté dimanche l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour son interprétation d'Anita dans l'adaptation cinématographique de Steven Spielberg de West Side Story.

Le film était basé sur la production musicale de Broadway primée en 1957, dirigée et chorégraphiée par Jerome Robbins avec une musique de Leonard Bernstein, des paroles de Stephen Sondheim et un livre d'Arthur Laurents.

DeBose dans la catégorie Meilleure actrice dans un second rôle a déjà remporté un Screen Actors Guild Award, un Golden Globe et un BAFTA. Elle a reçu l'Oscar sur ses collègues nominés dans la catégorie, notamment Aunjanue Ellis pour King Richard, Kirsten Dunst pour The Power of The Dog, Jessie Buckley pour The Lost Daughter et Dame Judi Dench pour Belfast.

"Imaginez cette petite fille sur le siège arrière d'une Ford Focus blanche. Quand vous la regardez dans les yeux, vous voyez une femme de couleur ouvertement queer, une Afro Latina, qui a trouvé sa force dans la vie grâce à l'art. Et c'est ce que je crois que nous Je suis ici pour célébrer", a déclaré DeBose dans son discours d'acceptation.

"Donc, à tous ceux qui ont déjà remis en question votre identité ou qui se retrouvent à vivre dans des espaces gris, je vous promets ceci : il y a effectivement une place pour nous", a-t-elle ajouté.

C'était la première nomination aux Oscars et aux Oscars de DeBose. La cérémonie de remise des prix a eu lieu au Dolby Theatre à Hollywood et a été animée par la comédienne lesbienne Out Wanda Sykes, les acteurs Regina Hall et Amy Schumer.

Pour la première fois en deux ans, les Oscars déroulent le tapis rouge au Dolby Theatre d'Hollywood

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NEW YORK – Alors que les communautés du divertissement, du cinéma et du cinéma se réunissent à Los Angeles pour la 94e cérémonie annuelle des Oscars au Dolby Theatre à Hollywood dimanche soir, les rédacteurs en chef de l'Associated Press ont sélectionné les six meilleures histoires de l'agence de presse avant le gala de ce soir. .

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Le nouveau livre d'un auteur gay présente un mystère familial et fait face à la maladie d'Alzheimer

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Le nom de l'écrivain Wayne Hoffman sera familier aux lecteurs de fiction gay, y compris ceux qui apprécient un côté érotique dans ce qu'ils lisent. Ses romans incluent "Hard", "Sweet Like Sugar" et "An Older Man". La carrière de journaliste de Hoffman lui a également valu une suite via des publications telles que The Nation, Washington Post, Wall Street Journal, Billboard et The Forward, sous le nom de Tablet Magazine, dont il est actuellement rédacteur en chef. Pour son nouveau livre, l'ouvrage non romanesque "The End of Her: Racing Against Alzheimer's to Solve a Murder" (Heliotrope Books, 2022), il a fait appel à ses talents de journaliste et de conteur, pour percer un mystère familial, tous les tout en acceptant le diagnostic d'Alzheimer de sa mère Susan et son déclin ultérieur. Le résultat est une sorte de "Finding Your Roots" de PBS croisé avec Hercule Poirot d'Agatha Christie. Hoffman a eu la gentillesse de répondre à quelques questions sur son livre lors d'une récente interview.

BLADE : Wayne, vous êtes connu à la fois comme journaliste et romancier. En pensant à écrire votre nouveau livre, "The End of Her: Racing Against Alzheimer's to Solve a Murder", avez-vous toujours su que vous raconteriez l'histoire dans un format non romanesque, ou aviez-vous envisagé de l'écrire sous forme de roman ?

WAYNE HOFFMAN : Je savais que ce ne serait pas une fiction parce que mon objectif était de découvrir les faits sur ce qui était vraiment arrivé à mon arrière-grand-mère - a-t-elle vraiment été assassinée, et si oui, par qui ? J'aurais pu inventer une histoire et en faire un roman. Mais c'est ce que d'autres membres de la famille avaient déjà fait, avec les légendes bizarres à son sujet qu'ils avaient transmises comme tradition familiale. Je voulais plutôt me concentrer sur la découverte de la vérité, autant que possible.

BLADE : Après avoir écrit trois romans, quel impact la création d'une œuvre de non-fiction a-t-elle eu sur vous en tant que journaliste ?

HOFFMAN : J'ai l'habitude du journalisme quotidien et hebdomadaire - rapporter rapidement, écrire rapidement, publier rapidement et avancer rapidement. Et j'ai l'habitude d'écrire des romans – j'ai des années pour écrire et réviser. C'était une nouvelle combinaison : je faisais rapport, mais sans aucun délai solide. Je pourrais revenir en arrière et repenser les choses, chercher de nouvelles sources, changer les conclusions, réécrire mille fois. C'est un luxe que les journalistes obtiennent rarement. Si je n'avais pas eu ce temps - si j'avais dû publier ce que j'avais trouvé après les premières semaines ou les premiers mois - je n'aurais pas compris ce qui s'était réellement passé.

BLADE : Combien de temps avez-vous passé en tant que rédacteur en chef chez Forward andTabletteutile dans vos recherches ?

HOFFMAN : Être rédacteur en chef d'un journal et d'un magazine m'a permis d'imaginer ce que je dirais si un écrivain rendait ce que j'avais écrit, et de voir quelles pièces manquaient encore. Mais travailler spécifiquement dans la presse juive - Forward et maintenant Tablet - au cours des 20 dernières années m'a également permis de mieux comprendre le contexte plus large entourant le meurtre de mon arrière-grand-mère : les vagues d'immigrants parlant yiddish venant d'Europe de l'Est en Amérique du Nord. au début des années 1900, comment ils s'assimilent et ne s'assimilent pas, comment ils essaient de construire non seulement des familles mais de plus grandes communautés, comment ils trouvent de nouvelles façons de gagner leur vie.

BLADE : Je suis content que vous ayez mentionné l'immigration parce que « The End of Her » est beaucoup de choses, y compris une histoire d'immigrants, américains et canadiens, mettant l'accent sur les Juifs du Manitoba, un sujet qui peut être nouveau pour de nombreux lecteurs. Comment était-ce d'explorer cela, à la fois sur le plan personnel et professionnel?

HOFFMAN : C'était fascinant parce qu'une grande partie de l'histoire m'était à la fois inconnue et inattendue. Je savais qu'il y avait beaucoup de Juifs qui avaient immigré au Manitoba, notamment à Winnipeg, où ma famille s'est installée et où mon arrière-grand-mère a été assassinée. Mais je n'aurais pas pu imaginer à quoi ressemblait leur vie. Mon arrière-grand-père était essentiellement un cow-boy, montant à cheval et achetant du bétail dans les prairies de la Saskatchewan. ses frères étaient presque certainement des contrebandiers. Qui savait? Lorsque je suis allé dans la petite ville de Canora, en Saskatchewan, pour creuser dans cette tranche de l'histoire de ma famille, je n'avais jamais imaginé que j'y arriverais. Mais ensuite j'ai pensé, je parie que mon arrière-grand-père, qui a grandi en Russie, a pensé la même chose quand il est arrivé il y a cent ans !

BLADE : La religion et les traditions religieuses occupent également une place importante. Ce qui le rend unique, c'est qu'ils sont écrits d'un point de vue gay. Comment pensez-vous que la religion a fait de vous la personne que vous êtes aujourd'hui ?

HOFFMAN : J'ai grandi dans une maison juive traditionnelle - j'ai gardé le casher, je suis allé à la synagogue chaque semaine, je suis allé dans des camps d'été juifs, j'ai fréquenté l'école hébraïque, j'ai suivi des cours au Centre communautaire juif. Donc, cela a certainement eu une énorme influence sur qui je suis aujourd'hui. Faire son coming-out à l'adolescence – en tant qu'homosexuel et athée – a compliqué tout cela. Certaines choses sont tombées au bord du chemin : je ne pratique plus le casher et je ne vais plus à la synagogue. Mon frère est rabbin, et il va assez à la synagogue pour nous deux [rires]. Mais je suis toujours fortement identifié culturellement, et travaillant dans la presse juive, je passe chaque jour imprégné de la culture juive et de la communauté juive, tout cela en tant qu'homosexuel très public et très ouvert. Ouais ! Regardez mes romans, il n'y a aucun moyen de prétendre que je ne suis pas super gay [rires].

BLADE: Comme vous l'avez dit plus tôt, "The End of Her" concerne les traditions familiales et en apprend le plus possible à ce sujet tandis que votre mère, qui a reçu un diagnostic de maladie d'Alzheimer, peut à la fois fournir des détails et bénéficier de la résolution de votre arrière-grand-mère Sarah. meurtre. Pensez-vous qu'avec ce livre, vous pourriez inspirer d'autres personnes à clarifier des mythes familiaux de longue date ?

HOFFMAN : Je l'espère. Nous avons tellement d'outils maintenant pour nous aider à comprendre nos histoires personnelles en termes de génétique et d'ADN. Ce sont des choses que vous pouvez découvrir à partir d'une goutte de sang ou d'un écouvillon. Mais qu'en est-il des parties de notre histoire qui ne sont pas stockées dans notre sang ou nos gènes, mais dans nos mémoires ? Vous pouvez en apprendre beaucoup à partir de documents, qu'il s'agisse de documents officiels comme des certificats de naissance ou de documents personnels comme des lettres. Mais certaines choses ne peuvent être découvertes que par des parents et des amis qui se souviennent de certaines choses. Plus vous pouvez contacter ces personnes, avant qu'il ne soit trop tard, plus vous pouvez créer une image riche de l'histoire de votre famille et de la vôtre. Cela pourrait éclaircir des mystères et des scandales, ou cela pourrait révéler des mystères et des scandales dont vous ignoriez l'existence, ce qui pourrait même être plus intéressant.

BLADE : En écrivant sur vos propres expériences et celles de votre famille immédiate face au diagnostic d'Alzheimer de votre mère, vous partagez des détails déchirants et dévastateurs. Par exemple, la frustration des médecins incapables de comprendre les complexités du traitement d'un patient atteint de la maladie d'Alzheimer comme au chapitre 29. Était-ce votre intention que le livre soit un outil pour d'autres traversant une version de quelque chose de similaire ?

HOFFMAN : Certainement. Il existe de nombreuses ressources pour les personnes qui essaient de comprendre ce que vit ou traversera une personne atteinte de la maladie d'Alzheimer. Mais il n'y a pas assez d'histoires pour ces mêmes personnes qui essaient de comprendre comment la maladie les affectera également, en tant que membres de la famille, amis ou soignants. Nous avons notre propre parcours, et j'espère que les gens qui liront ce que j'ai vécu, et comment ma famille a géré les choses - les parties que nous avons eues de bonnes et de mauvaises, et les choix que nous avons faits - comprendront un peu plus ce qu'ils sont. vraiment face.

BLADE : Avez-vous commencé à réfléchir ou à travailler sur votre prochain projet de livre ?

HOFFMAN : J'ai quelques projets esquissés, et même entamés. À un moment donné, je vais m'asseoir et les étaler sur mon bureau, et l'un d'eux va (j'espère) m'appeler : "Moi, moi ! Je suis le suivant [rires] !"

Acteur bien-aimé sur la pandémie, l'histoire de Broadway et la nouvelle biographie

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L'une des meilleures choses à propos de la lecture d'un mémoire par quelqu'un avec une voix distinctive - à la fois parlée et écrite - est que vous l'entendez pendant que vous lisez son livre. Avouons-le, l'écrivain et acteur primé Harvey Fierstein se qualifie comme quelqu'un qui a une voix distinctive et en lisant ses mémoires révélateurs, "I Was Better Last Night" (Knopf, 2022), vous jureriez qu'il était dans la pièce avec vous, en train de manger. Harvey a eu la gentillesse de prendre le temps pour une interview peu de temps avant la date de publication du livre en mars 2022.

LAME: Harvey, pourquoi était-il maintenant temps d'écrire vos mémoires, "I Was Better Last Night", et le fait d'avoir un anniversaire marquant (70 ans) en 2022 a-t-il quelque chose à voir avec cela ?

HARVEY FIERSTEIN : Ce qui est vraiment drôle, c'est que tant de sources, si vous regardez en ligne, ont mon anniversaire en 1954, même si c'est en fait 1952. La raison en est que lorsque j'ai eu 22 ans, mon ami Eric Conklin, qui a dirigé la production originale de "Torch Song ", a déclaré" Vous devriez dire à tout le monde que vous allez avoir 21 ans. " J'ai dit: "Pourquoi?" Il a dit : "Parce que si tu mens quand tu es plus vieux, personne ne le croit. Mais si tu commences à 21 ans, qui va s'en soucier !" Cette année-là, j'ai déplacé mon anniversaire en 1953. L'année suivante, nous avons décidé de recommencer. Mais je ne l'ai jamais pris au sérieux. Les choses sont juste ramassées par celui-ci ou celui-là. Je pense que c'est dans un magazine de New York qu'ils se sont trompés sur les faits et ont dit que mes parents étaient des immigrants d'Europe de l'Est. C'étaient en fait des Américains de la troisième génération. Mais ça a été repris par tout le monde et partout ça disait que j'étais le fils d'immigrants d'Europe de l'Est. Ma mère est née à Brooklyn et mon père est né dans les Catskills. Donc, j'ai écrit le livre, et il y a un vérificateur de faits, bien sûr. Chaque fois que je mentionnais mon âge, il me renvoyait une note : « Wikipédia dit que tu es né en 54. Celui-ci dit que tu es né en 54 », je n'arrêtais pas de dire : « Pourquoi devrais-je mentir et vieillir ? Je ne ferais que me rajeunir !" C'est un autre de ces exemples de pourquoi vous ne devriez jamais mentir. Je suis en effet aussi vieux que les montagnes. Alors, ai-je écrit les mémoires à cause de l'anniversaire ? Non. Comme tout le monde dans ce putain de monde, cette pandémie a frappé. J'étais un très bon garçon. Je me suis assis et j'ai fait tout le travail sur mon bureau. A cette époque, nous étions censés faire une production de "Bye Bye Birdie" au Kennedy Center. J'ai fini les réécritures là-dessus. J'avais réécrit "Funny Girl", qui avait été fait à Londres puis était parti en tournée en Angleterre, et nous l'amenions à Broadway. Je voulais y apporter d'autres modifications, alors j'ai fait tous ces changements. "Kinky Boots" était vendu à des bateaux de croisière, j'ai donc dû faire une adaptation, un raccourcissement de l'émission, comme je l'avais déjà fait pour "Hairspray" et d'autres émissions. C'était sur mon bureau et c'était fait. Je travaille sur une nouvelle comédie musicale avec Alan Menken et Jeff Feldman, les gars avec qui j'ai écrit "Newsies".

LAME: Oui, j'ai lu à ce sujet dans le livre.

FIERSTEIN : Donc, j'étais tout rattrapé par ça. En gros, j'avais fini. Puis je me suis assise et, comme je le dis dans le livre, je fais des quilts. Je devais quelques couettes en cadeau. Je suis descendue dans ma petite salle de couture et j'ai fait sept quilts d'affilée [rires]. D'habitude, j'en fais un par an. Tout le monde a reçu son édredon d'anniversaire, son édredon de mariage, tout ce qui était dû. J'avais débarrassé mon bureau et nous étions encore dans la pandémie. Alors mon agent m'a dit : "Pourquoi n'écris-tu pas tes mémoires ?" J'ai dit : "Parce que je n'écris pas de phrases."

LAME : Vous avez écrit le livre pour enfants. Qui a des phrases.

FIERSTEIN : Mais ce sont des phrases d'enfant. J'ai écrit des articles d'opinion, mais pour cela, il vous suffit d'avoir la voix d'Edward R. Murrow dans votre tête ou quelque chose comme ça. C'est comme écrire un dialogue, aussi. Tout d'un coup, tu es Aaron Sorkin. J'ai pensé : "Qu'est-ce que c'est que ce bordel ? J'ai un ordinateur. Laisse-moi essayer." J'ai écrit quatre chapitres, et je les ai envoyés à mon agent. Elle a dit: "C'est génial!" Elle a envoyé les chapitres à neuf éditeurs, je pense, et huit des neuf ont fait des offres.

LAME : Il y a de nombreux moments puissants tout au long du livre. Sans trop en dévoiler…

FIERSTEIN : Oh, allez-y, donnez-le ! Je sais déjà ce qui se passe.

LAME: Mais je ne veux pas gâcher ça pour les lecteurs.

FIERSTEIN : C'est exact. Nom de Dieu.

LAME : Le chapitre 57 contient l'une des séquences les plus émouvantes impliquant vos parents. Serait-il juste de dire que l'écriture du livre a été une expérience cathartique ?

FIERSTEIN : Oui, le tout est vraiment. Quand j'ai commencé, j'ai demandé à Shirley MacLaine parce qu'elle a écrit 300 livres sur ses 700 vies différentes. Elle a dit: "Écrivez ce dont vous vous souvenez parce que votre cerveau a une façon d'éditer, et cela vous donnera ce dont vous avez besoin pour ce livre. Vous vous souviendrez de choses pour d'autres livres et d'autres choses, mais écrivez ce dont vous vous souvenez et soyez juste vrai à ce qui arrive." J'ai dit: "Même à propos d'autres personnes?" Elle a dit: "Oui. Lorsque vous écrivez sur d'autres personnes, vous écrivez vraiment sur vous-même. Ayez confiance en cela." C'est ce que j'ai fait. Il y avait des centaines d'histoires que j'aurais pu raconter. J'ai juste essayé de suivre une ligne de pensée et de laisser faire.

LAME: C'est intéressant parce que les chapitres de "I Was Better Last Night" sont présentés dans l'ordre chronologique, commençant en 1959 et se terminant en 2022. Est-ce ainsi qu'ils ont été écrits ?

FIERSTEIN Oui, je l'ai écrit exactement comme il est. Comme vous le dites, ce chapitre particulier, je savais qu'il arrivait parce que je savais ce qui s'était passé pour ramener ce souvenir. J'essaie de le dire comme vous l'avez dit, de ne pas le révéler. Ce qui s'est passé entre moi et mon frère, quand il s'est assis pour regarder la dernière reprise de "Torch Song". Mon éditeur était incroyablement gentil avec moi. De temps en temps, il disait, ajoutez-en plus ici ou là. Mais la seule vraie note que j'ai reçue de lui était qu'il voulait déplacer cette histoire dans l'ordre chronologique puisque le reste du livre l'est. J'ai dit: "Non. C'est dans l'ordre émotionnel."

LAME: Il fallait qu'il soit là où il était.

FIERSTEIN : Exactement! La plupart des autobiographies de célébrités commencent par "J'étais enfant et j'ai vu une émission et j'ai dit:" Je veux être une star aussi! "" Ce qui n'est évidemment pas mon histoire. Je n'ai jamais voulu être dans le show business. Je ne voulais pas être écrivain. Je ne voulais pas être un acteur ou un drag performer. Ce n'était pas du tout mon rêve. C'est pourquoi il était si important de le faire dans l'ordre chronologique. Je voulais montrer comment j'ai vécu ma vie en étant fidèle au moment où j'étais.

LAME : Dans "I Was Better Last Night", vous emmenez les lecteurs dans un voyage à travers le théâtre moderne, de The Gallery Players et La Mama à off-Broadway et Broadway. Dans cet esprit, seriez-vous d'accord qu'en plus d'être un mémoire, le livre fonctionne également comme une leçon d'histoire du théâtre ?

FIERSTEIN : Je suppose que oui. J'ai certainement été dit que par un groupe de personnes qui ont lu le livre. Quand j'en ai parlé à Patti LuPone, elle m'a dit : "Bon sang, j'aurais aimé faire ce que tu as fait. Elle est passée par l'école de théâtre et s'est lancée dans le légitime, pas dans l'expérimental. Comme je le dis dans le livre, je suis venue d'une école d'art, donc je l'ai toujours abordé comme un art. Le théâtre faisait partie d'un mouvement artistique, et je me suis impliqué parce que je voulais rencontrer Andy Warhol. Je ne savais pas qu'ils me mettraient en drague. Je suppose qu'il y a un l'histoire là-bas. Certes, quand je regarde autour de moi, et que je regarde les gens avec qui j'ai grandi - Kathleen Chalfant et Obba Babatundé - et, bien sûr, La Mama est devenue quelque chose de plus grand. Il y en avait beaucoup d'autres. Rencontrer Matthew (Broderick ) à 18 ans, ou Estelle Getty qui était une femme au foyer de Bayside, dans le Queens. Elle n'admettrait même pas qu'elle était de Bayside. Elle a dit à tout le monde qu'elle était de Long Island [gros rire]. J'ai dit : "Estelle ! Bayside est dans le Queens. Qu'est-ce que l'histoire ? Après tout, l'histoire c'est jour après jour après jour après jour. J'ai commencé, bébé, dans ce théâtre expérimental. J'aimerais que le théâtre expérimental existe encore vraiment. que je dirais détruit off-off-Broadway. Je pense que la cupidité est ce qui a détruit off-off-Broadway. Je pense que ce qui s'est passé, c'est quand les gens ont vu Tom O'Horgan le faire, quand "Hair" est devenu un hit, ça a eu beaucoup des gens qui disent "Où sont mes 'Cheveux' ?"

LAME : Mais ne pensez-vous pas que le théâtre expérimental pourrait exister dans des villes où il est un peu plus abordable de faire ce genre de choses ? Dites, Austin, Texas.

FIERSTEIN : Il y aura toujours du théâtre expérimental. C'est juste, comment est-il regardé? Le gouvernement finance-t-il cela? J'entends beaucoup de gens dire : « Ne gaspillons pas d'argent en théâtre. "Torch Song Trilogy" n'aurait pas été ce qu'il était sans une subvention du gouvernement. Je ne sais pas si vous le savez, mais je viens de donner une subvention à la bibliothèque publique de New York au Lincoln Center pour construire un laboratoire de théâtre parce que l'espace de répétition est incroyablement cher à New York et presque impossible à trouver. David Rockwell est en train de le concevoir et j'espère qu'il sera ouvert dans deux ans. Je raconte une histoire dans le livre sur la façon dont il y a des années, nous répétions au YMCA, et le directeur a tout simplement disparu et nous a laissé la facture de la salle de répétition. Si je peux laisser une salle de répétition derrière… Lin-Manuel (Miranda) a développé "Hamilton" dans le sous-sol du Drama Book Shop. Pour mes spectacles, j'utilisais le sous-sol de La Mama qui était ce petit espace, mais assez grand pour que nous répétions et développions ce que nous devions faire. J'ai même fait quelques spectacles là-bas.

LAME : Les chapitres 19 à 22 donnent aux lecteurs un aperçu de l'inspiration et de l'écriture de "Torch Song Trilogy", puis, bien plus tard, vous écrivez sur le récent renouveau avec Michael Urie. Comment était-ce de revisiter la création et la révision de "Torch Song Trilogy?"

FIERSTEIN : Ce sont vos enfants, donc ils ne vous quittent jamais vraiment. Vous ne pensez peut-être pas à eux tout le temps de la même manière, mais ils ne vous quittent pas. Vous interrogez une mère sur son fils quand il avait six ans, et elle peut vous raconter une histoire à propos de cette époque. Cela ne signifie pas que vous vivez avec ces histoires tous les jours. Mais ils sont toujours là. Malheureusement, à mesure que vous vieillissez et que des gens meurent sur vous, vous vous souvenez d'eux, ou vous revenez à ces histoires encore et encore pour vous rappeler comment vous vous êtes tous rencontrés et tout ça. Avec quelque chose comme Torch Song, qui fait tellement partie de ma vie, il n'y avait pas vraiment de choc à revenir en arrière et à revoir ce genre de choses. Voir Michael le faire n'a pas non plus été un choc, car j'ai choisi toutes mes doublures. Le spectacle a duré cinq ans à Broadway, mais je ne l'ai pas joué pendant cinq ans. Il y avait d'autres Arnold et je les ai tous vus. Il y avait une matinée Arnolds, puis nous avons fait une tournée en bus et en camion, et une tournée régulière. J'ai vu tous ces gars y jouer. Je l'ai vu à Londres avec Tony Sher, décédé il y a quelques semaines. Il a remporté l'Olivier pour "Torch Song". Écrire un mémoire n'est pas le moment de blâmer les autres [rires]. Quand vous écrivez des pièces, ça l'est.

LAME : Je suis tellement content que tu dises ça parce que l'une des choses qui, je pense, frappera les lecteurs de "J'étais mieux la nuit dernière" est l'honnêteté brutale avec laquelle tu écris sur l'alcoolisme et la sobriété, ainsi que ta tentative de suicide. Qu'espérez-vous que les lecteurs en retiendront ?

FIERSTEIN : Il y a un certain moment où vous écrivez quelque chose comme ça… Je m'en fous [rires]. J'avais besoin de dire la vérité et vous espérez que la vérité fera du bien. Lorsque vous écrivez une fiction, vous vous souciez davantage de la façon dont elle est lue et de ce que quelqu'un en retire. Quand vous écrivez de la non-fiction, c'est comme, "C'est ce qui s'est passé, que tu le veuilles ou non, Cookie." Le seul espoir est que j'espère que vous savez que je le dis du mieux que je peux et que je suis honnête. Parce que la vérité touche les gens, ça je le sais. Lorsque vous écrivez un drame, vous manipulez un public, une histoire et des émotions. Quand j'écrivais le livre, bien sûr, il y a toujours un art, mais je ne me détourne pas de quelque chose parce que ce n'est pas confortable. Je vais le dire. Si quelqu'un pense que je suis un connard, qu'il pense que je suis un connard. Vous avez lu le livre et je vous en remercie beaucoup.

LAME: C'est mon travail!

FIERSTEIN : Vous voyez dans le livre que je n'ai pas de réponse pour mon propre sexe. Si j'étais née en 1980, au lieu de 1952, serais-je une femme maintenant ? Je ne sais pas. Je n'ai pas ces réponses. Je n'ai pas le luxe d'être né dans une société différente. La première personne (trans) que j'ai connue était Christine Jorgensen, qui est morte en me devant de l'argent, cette garce [rires]. Quand j'écrivais le livre, je parcourais des photographies. Il y a une photo dans le livre de moi et Marsha P. Johnson et Jon Jon marchant dans une marche de la Gay Pride. J'ai affiché cette photo et quelqu'un m'a écrit pour me parler de Marsha, comme si vous deviez savoir qui était cette personne. Je me suis dit : "De quoi tu parles ? C'était un de mes amis !"

LAME : Merci d'avoir mentionné les photos. J'habite à quatre rues au sud de Wilton Manors à Fort Lauderdale. Dans le livre, vous incluez une photo du panneau de signalisation WiltonArt.com qui comporte une citation de votre part. Qu'est-ce que cela signifie pour vous d'être immortalisé de cette façon ?

FIERSTEIN : Alors que c'est très flatteur, un autre endroit où j'ai regardé l'avait dit Walt Whitman ! D'une main, vous êtes flatté et de l'autre, vous êtes giflé.

LAME: Au moins, ils ont obtenu le droit d'attribution à Wilton Manors.

FIERSTEIN : C'est beau, c'est vraiment beau. C'est une belle chose de voir quelque chose de lié à cela. Je regardais une interview avec Billy Porter et comme par accident, ils ont marché dans le bloc où il y avait une peinture murale sur le côté d'un immeuble de son portrait. Comme si, "Oh, je ne savais pas que c'était là!" Vous sortez de rire, comme, ouais, d'accord ! Vous avez amené une équipe de tournage parce que vous ne saviez pas que votre photo était là sur le mur [rires]. Ce genre de trucs de célébrité est toujours drôle. Surtout quand vous avez des amis qui sont célèbres et que vous essayez d'être simplement des êtres humains ensemble, mais que vous sortez en public et que vous réalisez qu'ils signifient tout autre chose pour le public que pour vous.

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